"Пленэр Туристический требует добротного походного снаряжения, но эффективность пребывания приезжего рисовальщика в новой, незнакомой ему среде будет выше при условии его мобильности по продуманной маршрутной схеме и быстрых зарисовок с указанием деталей, цвета, погоды и прочей информации на листах, которые впоследствии будут доработаны.
За световой день добыча пленэриста может составить десяток и более заготовок; стилистикой и формой их завершения он распорядится позже по своему усмотрению. Понятно, что в таких работах художественная завершенность носит более условный характер и зависит от творческой манеры и графических приемов исполнителя, который может проанализировать набросок, внести в него коррективы, исправить ошибки, допущенные на месте.
Пленэр такого рода развивает предметную и ассоциативную память, самостоятельность творческой интерпретации натуры, стильность изображения. Он позволяет осваивать зимнюю натуру, привлекательную своей лаконичностью.
В качестве вспомогательного средства можно воспользоваться фотоаппаратом или видеокамерой; снимки с места выполнения рисунка могут помочь его уточнению, завершению, если вы уже лишены возможности вернуться на место. При развитой зрительной памяти и графических навыках некоторая технологичность туристического пленэра окупается в последующей обработке восстановлением живости психологического впечатления от места посещения; его рисованная запись удивительным образом сохраняет эффекты, воспринятые вашими чувствен
... Читать дальше »
"Объекты переднего плана имеют более контрастную светонасыщенность: фронтально освещенные части выглядят самыми светлыми, затененные — самыми темными. На округлых поверхностях зона, переходная от света к тени, темнее, чем остальная затененная поверхность, которая подсвечивается рефлекторным светом. Падающая тень всегда темнее собственной. Собственная тень всегда темнее самой темной освещенной поверхности. Границы падающей тени целесообразно изображать размытыми, чтобы ее контуры не конкурировали своей четкостью с контурами объекта. Светотеневое выявление фона достаточно в той мере, в какой это способствует моделированию освещенности постановки".
Взято с сайта AllOfRemont.com
"При штриховке рисунка, повторим, следует пользоваться карандашом одной твердости от начала до конца работы. Карандаш нужно держать по возможности ближе к вертикальному положению, он должен быть острым. Заметность штриха придает прозрачность и живость рисунку. Лучше, если штриховка имеет муаровую фактуру — от вида соломы первоначального этапа к более четкому, тонкому штриху завершения.
Что касается штриховки по форме, то не следует бояться коротких по длине штрихов при обработке широких плоских поверхностей. Они могут быть пристыкованы друг к другу, и каждый последующий проход штрихами (с легким изменением их направления) перекрывает швы предыдущего слоя.
Округлую форму необязательно выявлять дугообразными штрихами. Достаточно того, что прямой короткий штрих будет касательным к воображаемой округлости формы, а многократное перекрытие таким штрихом формы дает необходимое впечатление об объеме предмета. Сетчатый штрих не должен иметь рисунок марли, т.е. пересечений под прямым углом. Предпочтительно изображенные на рисунке предметы ограничивать не контурной, проволочной линией, а разноосвещенными плоскостями. Полезно научиться пользоваться резинкой как средством рисования, а не только для ликвидации ошибок или лишних линий."
Взято с сайта AllOfRemont.com
"Нередко при рисовании студент увлекается процессом и не обращает внимания на постановку или же просто не замечает явного несоответствия натуры и ее изображения. Привыкание к рисунку в ходе работы притупляет внимание к ошибкам. Поэтому необходимо делать перерывы, наблюдая за работой соседей. Полезно пользоваться зеркалом, которое отражает рисунок в обратном изображении, тем самым обновляя его видение. Устранение слепоты рисующего достигается внимательным сопоставлением рисунка с натурой".
Взято с сайта AllOfRemont.com
"Неопытный художник часто задается вопросом: с чего лучше начать писать акварель, с фона или изображения предметов, с первого плана или со второго? Если в работе решается проблема пространства, то неизбежно придется выстраивать изображение в свето-воздушной перспективе, используя изобразительные планы. Наиболее наглядный пример - это ландшафтная живопись. Обычно в пейзаже работа начинается с живописи третьего, дальнего, плана, и тогда пишется небо, плавно переходящее через линию горизонта к земле, ко второму плану. Затем разрабатывается тонально насыщенный первый план, и начинается работа над деталями.
В портрете работа обычно начинается с главного - с живописи головы. Затем постепенно переходит к разработке фона.
В натюрморте можно начать с темного фона, то есть третьего плана, затем вписывать в него предметы. Однако вопрос первоочередности становится решающим для качества работы, если изображаются объекты живой природы, жизнь которых быстротечна и изменчива. Это может быть бутон лилии, раскрывающийся на ваших глазах, цветы и листья, которые быстро увядают, или свежая плоть разломленного персика, теряющая свою сочность. Если вы не успеете написать что-то важное с натуры, то потом даже фотография, сделанная в качестве шпаргалки, не сможет вернуть очарования и свежести первого эмоционального восприятия. Только хорошая зрительная память, знание объекта изображения и накопленный опыт смогут помочь художнику в такой ситуации."
"Немалую трудность в живописи акварелью составляет передача материальности изображаемых объектов, особенно если живописец пользуется каким-либо одним заученным техническим приемом. Механичность применения одной манеры письма навевает сравнение с фильтром компьютерной программы, наложенным на фотографию. Такой подход ограничивает творческие возможности в трактовке формы и материальности.
И наоборот, если автор исходит из сути изображаемого объекта, то сама его природа и характер подсказывают оригинальное решение в поиске и применении различных технических приемов. Невозможно одним и тем же приемом передать материальность гладкого шелка и мягкого бархата, блестящего металла и старого дерева, прозрачного стекла и мятой бумаги. Богатство фактур осязаемого мира должно вдохновлять художника на творческие эксперименты."
"В живописи акварелью важно помнить еще одну особенность: любой цвет пишется через смешение двух, трех красок. Открытыми цветами пользоваться надо крайне редко, но смешение более трех красок часто дает грязь. Данное правило работает при лессировках, зависит это, конечно, от насыщенности красок, и всегда есть риск потерять свежесть цвета при использовании более трех слоев. Кроме этого, при перекрывании слоев надо учитывать, что грязь может образоваться из-за неправильной последовательности применения корпусных и лессировочных красок, холодных и теплых цветов. Причина кроется в том, что лессировочные краски поверх корпусных зачастую не дают нужного результата, особенно если поверх холодных цветов идут теплые.
Волновая теория света дает художнику представление о том, как проявляют себя воспринимаемые глазом цветовые волны разной длины. Разные участки спектра отличаются друг от друга длиной и частотой волны. Фиолетовые волны - самые короткие и тонально слабые, а красные - самые длинные и интенсивные. Поэтому теплые цвета всегда будут перекрывать излучение холодных."
"Физика дает объяснение оптического восприятия света и цвета. Одним из первых это явление попытался изучить и объяснить Ньютон. Согласно многовековой традиции он насчитывал семь цветов в спектре радуги, образованной преломленным лучом света (красный, оранжевый, желтый, зеленый, голубой, синий, фиолетовый), белый - это чистый свет, который содержит в себе весь цветовой спектр, а черный - это темнота, отсутствие света. В изобразительном искусстве эти знания отразились в теории цвета.
Смешением основных цветов (красного, желтого, синего) получают три дополнительных (оранжевый, зеленый, фиолетовый) - они образуют спектральный круг. Если попробовать смешать в равной пропорции краски всего цветового спектра, то их цветность нейтрализуется, превратившись в серую грязь. К спектральным цветам в живописи прибавляются белый (белила или белый цвет бумаги) и черный. Это основа цветовой гармонии. Поэтому живопись начинается с изучения правильного смешивания противоположных и соседствующих красок."
"Профессионалы всегда отличают "срисовывание" с натуры от настоящего рисования, так же, как легко отличают фотографию, сделанную равнодушной техникой, от результата живого восприятия художника. "Срисовыванием" называют рисунок, сделанный без всякого отбора, фиксирующий объект изображения по принципу "похожести" путем передачи всех видимых внешних подробностей, это механический процесс копирования реальности без творческого поиска. Тогда как настоящий рисунок - это творческий процесс передачи сути изображения, содержания его внутренней формы, отбор наиболее характерного и важного для создания образа."
"В акварели также высоко ценятся легкость, быстрота исполнения, умение передавать материальность различных предметов и фактур, безошибочное чувство рисунка и композиции, тонкий вкус и чувство меры при выполнении отдельных элементов и детализации в завершении работы. Не менее важна и особая одухотворенность материала, приближенная к поэтическому чувству.
Очень ценным качеством живописца является свободное владение разнообразными техническими приемами – это дает неограниченные возможности решения самых смелых творческих задач.
Иллюзия простоты и легкости владения техникой возбуждает желание имитировать ее. Но поверхностный подход, не подкрепленный истинным владением материалом и эстетическим чувством художника, приводит к появлению пустых и бессмысленных работ."
"Замученная, затертая и перегруженная грязными смесями красок бумага в акварели производит угнетающее впечатление, и потому в этой технике высоко ценятся чистота и свежесть цветового слоя, сквозь который чувствуется дыхание белой бумаги. В чистой акварели недопустимо использование жестких кроющих белил, которые перерождают акварель в гуашь или темперу. Роль белой краски выполняет сама бумага, поэтому в чистой технике тщательно сберегается ее белизна даже в самых крошечных и деликатных местах, например, таких, как блики на предметах. Лучше всего эти места "обходить" кистью, чтобы затем вписать их в форму, плоскость или пространство.
Некоторые живописцы в критических ситуациях прибегают к "варварскому" способу проскабливания записанных мест бумаги особой предназначенной для этого скоблилкой или ножом. Но это может выдержать только очень качественная бумага, и при этом она должна быть сухой.
Другой, более распространенный способ резервирования, сохранения белых мест, состоит в использовании особого резинового клея, который выпускают некоторые фирмы специально для этих целей. Так называемый "masking fluid" наносится на сухую бумагу и по выполнении своего назначения снимается с помощью ластика. Но этот способ очень прагматичен и грешит одним существенным недостатком: при высыхании вокруг зарезервированного места образуются заметные, слишком четкие и жесткие края высохшей краски, которые затем очень непросто "оживить".
Для почитателей чистой акварели важна живая техн
... Читать дальше »
"При покупке бумаги надо обращать внимание на наличие такой маркировки: 100% хлопок (Cotton), но иногда встречается неплохая бумага с содержанием 50% хлопка; отлито в форме (Mould made); защищена от плесени и грибка (Mildew and rot resistant); без кислоты (Acid-free); без оптических отбеливателей (Free from optical brightness).
Бумага высокого профессионального качества с течением времени не желтеет, устойчива к механическому воздействию и, являясь прекрасной основой для акварельной живописи в техническом смысле, не имеет в своем составе примесей, вредно воздействующих на акварельные краски при долговременном хранении и экспонировании произведений."
"Несовершенство материалов создало немало мифов о хрупкости и плохой сохранности акварельных произведений, которые бытуют до сих пор. И непосвященный зритель, и особенно потенциальный покупатель очень беспокоятся за дальнейшую судьбу понравившихся шедевров. Это очень мешает развитию техники акварели и объясняет практическое отсутствие рынка этого вида живописи.
Между тем, необходимо разрушить устаревшие стереотипы. Для этого достаточно сообщить, что все пигменты, используемые и в масляной живописи, и в темперной, и в акварельной всегда делались из одних и тех же составляющих, которые только измельчались особенно тонко для акварельных красок. И чем лучше перетерт пигмент, тем выше качество акварельной краски. Отличие красок – в связующих веществах: в масляных красках связующим является масло, а в акварельных – камеди, растительные клеи. Современные технологии создания красок все время совершенствуются, и получаемые краски становятся все более устойчивыми к воздействию света и времени. Это подтверждается лабораторными тестами. Сегодня есть производители с мировой известностью, которые чтят традиции лучших мануфактурных производств, они заслужили высокое доверие и уважение профессионалов. Информацию о качестве используемой краски всегда можно узнать по маркировке на ее упаковке. Знание некоторых законов смешения, изучение поведения красок разных фирм и опыт работы подскажут предпочтительный выбор красок."
"Если вы начнете этюд во всю силу цвета, вам все время работу придется вести на неточностях в цветовых отношениях, что всегда стесняет художника. Лучше сначала взять сдержаннее, с тем чтобы под конец положить блестящий мазок. Преждевременное использование диапазона палитры, загроможденность палитры множеством тонов пользы не приносят. Нужно возможно скупее расходовать те средства, которыми вы обладаете, а то можно такие "фейерверки" дать сразу на холсте, что потом сами не разберетесь и не объедините гамму в одно целое. Поэтому ведите этюд осмотрительно, на сдержанной палитре, используя в отдельных случаях наиболее звучные тона. Эти звучные тона на серой сдержанной гамме будут играть, как драгоценные камни. Если вся палитра выложена на холст, то все в этюде горит одинаково, все ярко, все тона кричащие, а выразительности и правды — никакой. Отношение к палитре должно быть очень обдуманное. У большого мастера мы часто видим очень скромную палитру, но зато произведение поражает своей красочностью. Как целесообразнее начинать писать пейзаж: с первого или второго плана? Это зависит от того, что в живописном отношении является ведущим, то есть на чем строится вся тональность этюда. Может получиться такое положение, что как раз на горизонте при стыке неба с землей и находится живописный лейтмотив всей вещи. В таком случае, в первую очередь, эти отношения и нужно решить, их, прежде всего, и берите, и уже к этому добавляйте все остальное. А может этюд построиться и так, что основным бу
... Читать дальше »
